‘Opus Eponymous‘ se convirtió casi en una obsesión, al igual que ‘Infestissumam‘, el prácticamente insuperable ‘Meliora‘ y el accesible ‘Prequelle‘. Cada uno, capitaneado por la figura de Tobias Forge encarnando a los (cada vez menos) siniestros Papas y al risueño Cardenal Copia. La evolución de la banda en cada etapa era enorme. Nunca supe qué esperar cada vez que uno de estos trabajos fue anunciado, pero una cosa era segura: sabía que la maravillosa mente de Tobias Forge no me iba a decepcionar.

Hace unos meses, cuando ‘IMPERA‘ fue anunciado, volví a tener la misma sensación. No sabía qué esperar de este nuevo trabajo de los suecos, pero Ghost nunca decepcionan, y una vez escuchado el trabajo completo durante varios días, puedo afirmar rotundamente que esta afirmación es completamente cierta: Ghost nunca decepcionan.

Reseña de ‘IMPERA’ de Ghost

‘IMPERA’ es un paso adelante, otro más, en la buena dirección. Parece que los años pandémicos han dado tiempo a Forge a perfeccionar al máximo el concepto Ghost, a llevarlo a su máximo exponente, a trabajar cada detalle con sumo cuidado y a hacer que todo funcione como tiene que hacerlo en un álbum que gira alrededor de los imperios, cómo crecen y cómo caen. ¿El resultado? Un trabajo que combina todo lo bueno que incorporaron sus predecesores al sonido de la banda, con una producción excelente a mano de Klas Åhlund (que ya produjo ‘Meliora‘) y con un elenco de colaboradores en las composiciones y en la ejecución de las piezas que llevan a Ghost a otro nivel.

«Imperium» es esa introducción que todo buen trabajo necesita. Un arpegio de guitarra acústica que incorpora unos armónicos muy sutiles y delicados, exactamente donde deben ir, porque este es el nivel de detalle del álbum, al que se suma una simple y pegadiza melodía de guitarra armonizada, que va ganando en intensidad y en épica gracias al acompañamiento instrumental. Muy en la onda del mítico «Battery» de Metallica.

«Kaisarion» deja entrever muchos detalles que hacen tan grande a este trabajo. Uno de ellos es, sin duda, el trabajo instrumental, especialmente en las guitarras. La banda abandona por completo la simplicidad en las partes solistas que caracterizaba sus primeros trabajos y Fredrik Åkesson es el encargado de dar ese toque más técnico a los solos y melodías en ‘IMPERA‘. Por otra parte, los coros y armonías vocales vuelven a tener un gran peso, y es que Tobias Forge también ha hecho un gran trabajo en este aspecto, puede que el mejor que le hayamos oído en Ghost. Volviendo al tema en si, cuenta con una atmósfera un poco más alegre de lo habitual, intentando transmitir el crecimiento, la grandilocuencia y la bonanza de un nuevo imperio, en un tema que combina a la perfección las partes más heavys con el aura más comercial de la banda.

«Spillways» cuenta con un teclado y una atmósfera muy influenciada por ABBA y bandas más hardrockeras como Bon Jovi. Forge ha dicho en muchas ocasiones que tiene en cuenta en sus composiciones cómo sonarían los temas interpretados en una gran arena, y «Spillways» es la prueba de ello. Es un tema pensado para ser interpretado en grandes recintos. De nuevo, el trabajo a las voces es sublime, aunque habrá que ver si Forge es capaz de defenderlo en directo noche tras noche.

«Call Me Little Sunshine» fue el primer single del disco, y nos devuelve a esos Ghost más oscuros con un tema muy al estilo de «Cirice«. Cuenta con uno de esos estribillos memorables, pero una vez más, destaco el exquisito trabajo instrumental. Cada pequeño arreglo, cada mínimo detalle parece cuidado hasta el extremo, incluyendo un magnífico solo de guitarra que brilla nota por nota, armonizando ciertas partes. Es aquí, en estos pequeños detalles, donde Tobias Forge brilla y demuestra el gran compositor que es.

«Hunter’s Moon» fue editada como banda sonora de «Halloween Kills«, por lo que cuenta con una letra más oscura, jugando con elementos de terror, acompañados por una melodía que terminará repitiéndose irremediablemente en tu cabeza. Por lo demás, se trata de un tema sencillo y pegadizo, que cumple su función de single y que allana el camino para lo que viene después.

«Watcher In The Sky» es el último tema de la «cara A» del disco, y fácilmente, puede que sea el mejor del trabajo. Mi primera reacción al escucharla fue que si cambiábamos la voz de Forge por la de Ozzy Osbourne, podría ser, perfectamente, parte de la discografía del «Madman». Nos encontramos ante uno de los temas más heavys de la banda, con un riff simple y potente, que da paso a una estrofa con palm mute, sobre la que Forge vuelve a alcanzar tonos muy altos, y que nos lleva a un estribillo memorable. No podemos olvidarnos tampoco del maravilloso pasaje instrumental en la parte central del tema, con melodías de guitarra armonizadas. Una delicia.

La breve y desconcertante introducción «Dominion» da paso a la más desconcertante «Twenties«. Han corrido ya ríos de tinta sobre este tema, y es que lo que más puede llamar la atención, especialmente para los seguidores latinos de Ghost, es que el ritmo de batería es similar al del reguetón y la música latina en general. Sin embargo, hay mucho más en «Twenties» que eso, y es que nos encontramos con uno de los riffs más potentes del disco y uno de los temas más oscuros. La voz del Papa Emeritus IV en esta ocasión se torna grave y grandilocuente, dando un aire a canción de villano de musical de Disney.

Tras esta extravagancia, «Darkness At The Heart Of My Love» nos lleva por un terreno completamente opuesto, el de las power ballads ochenteras. Si unimos «He Is» con «Life Eternal» y le añadimos unos coros épicos al final, el resultado es esta enorme balada en la que, como no podía ser de otra manera, salen a relucir las habilidades compositivas de Forge, con una serie de arreglos y detalles que consiguen poner los pelos de punta.

«Griftwood» cuenta con una introducción muy al estilo del «Ain’t Talking ‘Bout Love» de Van Halen, y destaca especialmente por su estribillo, pegadizo como el que más, y que quizás sea el más «cheesy» del disco. Este es otro tema pensado claramente para los grandes recintos y con un toque más comercial, por lo que no sería sorprendente que fuera incluido en los repertorios de la banda durante la gira.

Y llegamos al final del disco, en el que la pequeña pieza «Bite Of Passage» da paso a otra de las joyas de ‘IMPERA‘. «Respite On The Spitalfields» es Ghost, llevado a su máximo exponente. Un medio tiempo de poco más de 6 minutos en el que van intercalándose partes más lentas, partes más potentes, con la voz de Forge adaptándose de forma camaleónica a diferentes registros a lo largo del tema. Una obra maestra, que alcanza su mayor grado de perfección durante la parte instrumental de los últimos compases, incorporando, finalmente, la melodía de guitarra con la que empezaba el disco y que aparecía en «Imperium«. No es un recurso nuevo, pero sí que resulta orgánico, nada forzado, y consigue dar la sensación de cerrar un ciclo, de un imperio que empieza y tiene un fin.

La pregunta más difícil de contestar es: ¿es este el mejor disco de Ghost? Es posible que a nivel instrumental y de composición nos encontremos ante el mayor esfuerzo de Forge. Los detalles, los arreglos, la instrumentación… todo funciona en ‘IMPERA‘, y lo hace de maravilla. Quizás no consiga superar el nivel de ‘Meliora‘, pero este trabajo eleva a la banda a un nuevo nivel, y no tardará en traducirse en mayor repercusión y éxito. Ghost parecen no tener techo y con este disco siguen escalando.

Tracklist IMPERA

1. Imperium
2. Kaisarion
3. Spillways
4. Call Me Little Sunshine
5. Hunter’s Moon
6. Watcher In The Sky
7. Dominion
8. Twenties
9. Darkness At The Heart Of My Love
10. Griftwood
11. Bite Of Passage
12. Respite On The Spitalfields

Reseña de Helloween

«Out For The Glory» pone rápidamente las cartas sobre la mesa. Helloween han vuelto, Michael Kiske y Kai Hansen vuelven a ser parte de la banda, son dos recursos que hay que utilizar. Y vaya si los utilizan. Si metemos en la coctelera «Eagle Fly Free», «I’m Alive» y «March Of Time», agitamos y servimos, el resultado es este primer corte. La formula de los ‘Keeper’ exprimida en un tema que apela a la nostalgia, con el añadido de algún agudo rotísimo de Kai Hansen y unas segundas voces de Andi Deris que ceden el protagonismo por completo a su compañero.

Una guitarra acústica introduce «Fear Of The Fallen», uno de los singles del álbum, que la banda adelantó a modo de vídeo-lyric. Al principio no me llamó mucho la atención, pero ha terminado siendo un tema que con pocas escuchas adquiere mucha fuerza. Los constantes cambios de ritmo y la gran interpretación de Deris en este tema son magníficos, con el apoyo de Kiske en los estribillos.

«Best Time» sirve para que nuestro calvo favorito vuelva a tomar el protagonismo con las voces principales, en un tema con un estribillo fácilmente recordable. Es una canción simple y alegre de esas que Helloween saben hacer tan bien.

«Mass Pollution» comienza con el bajo y se convierte en uno de los temas más potentes del disco. Directo a la cabeza. Está hecho para ser interpretado en directo sin ninguna duda, con esa parte final en la que Deris grita «make some noise!». No dudo que será de las que mejor funcione en los próximos directos de las calabazas.

Con «Angels» nos encontramos ese tema «diferente» que todos los discos necesitan. Al igual que «Fear Of The Fallen», va alternando partes acústicas o más lentas, con partes cañeras, en las que los dos vocalistas se van intercambiando partes. La instrumentación y la atmósfera de la canción, sin embargo, es más oscura en algunos momentos, contrastando un poco con el tono general del álbum.

«Rise Without Chains» empieza con otro riff rápido marca de la casa, un poco del rollo «Are You Metal?». En esta ocasión Deris vuelve a lucirse a las voces principales, mientras Kiske juega con las armonías, tanto graves como agudas. La versatilidad que aportan ambos vocalistas a los temas es impresionante, y no es para menos, cuando tienes a dos cantantes de la talla de Andi y Michi. Además de esto, los 3 guitarristas se lucen en la parte de los solos.

Pasamos a «Indestructible», que fue lanzada como cara B del single ‘Skyfall’. Una vez más, nos encontramos a Andi Deris cantando los versos, con Kiske tomando protagonismo en los estribillos (además de una frase de Kai Hansen). El tema tiene un riff inicial potente y desenlaza en un estribillo más comercial, de esos que vas silbando por la calle sin darte cuenta.

Un enorme grito a 3 voces abre «Robot King». Se trata de uno de los temas más largos del disco (algo más de 7 minutos) y es una inyección de power metal en vena. De ese que Helloween saben hacer tan bien. Ritmos rápidos, agudos imposibles, un puente melódico y un estribillo en el que Deris se deja las entrañas. El instrumental de la parte central tiene todas las partes que caben esperar en un tema de Helloween. Melodía, punteos armonizados, solos de guitarra… En definitiva, otra gran canción plagada de detalles.

«Cyanide» es otro tema corto, directo y sin concesiones. El estribillo, una vez más, es bastante pegadizo. Quizás es de los temas más discretos del disco.

En «Down In The Dumps» vuelve a destacar la labor de los vocalistas, especialmente en el estribillo, donde alcanzan unos agudos increíbles. Tiene una parte central muy coreable, lo cual podría ayudar a que acabara apareciendo en los repertorios de la banda.

«Skyfall», la obra maestra

«Orbit» es un pequeño pasaje instrumental, donde Kai Hansen interpreta una pequeña melodía de guitarra con sintetizadores de fondo, que sirve como introducción al clímax del disco.

«Skyfall» es la única aportación compositiva de Hansen a este trabajo homónimo de Helloween (sin contar «Orbit») y no podría haber sido mejor. «Skyfall» es la culminación del disco, es esta reunión de Helloween llevada al máximo exponente. Si ya se atisbaba la calidad en la recortada versión de 7 minutos que pudimos escuchar en el videoclip a modo de single, la versión completa del tema es una obra maestra. Para mi gusto, esta al nivel de otros temas mastodónticos míticos de la banda, como «Halloween» o «Keeper Of The Seven Keys». Tiene de todo, partes rápidas, partes lentas, partes épicas, una parte instrumental de 10… El colofón final para uno de los discos más esperados del año.

‘Helloween’ es un disco que no decepciona. Las expectativas estaban por las nubes y el resultado no podía haber sido mejor. Es un disco que combina lo mejor de cada época de Helloween, dando como resultado un trabajo que no dejará indiferente a nadie.

Tracklist de ‘Helloween’

1. Out For The Glory
2. Fear Of The Fallen
3. Best Time
4. Mass Pollution
5. Angels
6. Rise Without Chains
7. Indstructible
8. Robot King
9. Cyanide
10. Down In The Dumps
11. Orbit
12. Skyfall

Crítica de Vicious, el nuevo disco de Halestorm

Tengo que reconocer que las primeras escuchas de Vicious me dejaron muy frío. Quizás eché en falta algo más de esa fuerza que demostraron tener en The Strange Case Of… , pero el caso es que las primeras impresiones no fueron nada buenas. Pese a ello, el disco ha ido ganando con las escuchas, pero hay que ser consciente de que Lzzy Hale y los suyos han optado por sonidos más comerciales, aún sin dejar de lado su vertiente metalera.

Así pues, Vicious comienza con uno de los mejores temas, a mi juicio, del disco. «Black Vultures» sigue una dinámica que va a ser constante a lo largo de todo el disco: riffs pesados, mezclados con estribillos facilones y estrofas prácticamente a capella. Quizás uno de los problemas de este trabajo es, precisamente, la falta de originalidad en los temas, ya que como digo, todos siguen un patrón más o menos similar, con más o menos acierto. En este caso, me parece que el tema elegido para abrir es bastante bueno. Podéis ver el videoclip a continuación.

«Skulls» es el tema que el grupo ha elegido para abrir sus conciertos de la gira de Vicious, y de nuevo nos encontramos con el mismo patrón: un riff potente, una estrofa casi a capella, una estrofa pre-estribillo y un estribillo fácil de recordar. Un tema que pasa sin pena ni gloria. Sin embargo, «Uncomfortable» vuelve a subir un poco el ritmo, con una estrofa que me recuerda en cierto modo al «Stone Cold Crazy» de Queen.

Si «Skulls» era un tema que pasaba sin pena ni gloria, lo mismo vuelve a pasar con «Buzz». Una canción que no aporta nada, y de la que poco se puede salvar. Entre lo salvable, la voz de una enorme Lzzy Hale. No pasa lo mismo con su hermano Arejay, que pasa completamente desapercibido a lo largo de todo el disco. Muy poco poderío el que le han dado a la batería en este trabajo.

En «Do Not Disturb» nos encontramos otro de los que para mi, es de los mejores temas del disco. Una historia un poco subida de tono contada en tono picarón, con un buen acompañamiento musical. También nos encontramos en este tema uno de los solos de guitarra más inspirados del álbum. Muy importante la mejoría de Joe Hottinger a las 6 cuerdas en el sonido de Halestorm en directo.

«Conflicted» es uno de los temas más raros del disco. Se sale un poco de ese patrón que he comentado antes, por lo que en ese aspecto, es un soplo de aire fresco. Sin embargo, pienso que la idea no termina de cuajar y se queda en una canción normalita que no termina de despegar en ningún momento. Lo único a destacar es el estribillo, que no está mal.

Y como viene siendo habitual en Vicious, tras un tema discretito, viene uno bueno, y en este caso, podría decir que es el mejor de todos. «Killing Ourselves To Live» es el tema que más se acerca a los Halestorm más heavies, por decirlo de alguna manera. Un gran estribillo y una parte central que son de lo mejorcito del disco, con otro solo de guitarra realmente bueno.

Por fin llegamos a la primera balada del disco. Y digo por fin porque si hay algo que Halestorm han demostrado hacer bien a lo largo de los años, son este tipo de temas. «Heart Of Novocaine» no defrauda. La voz de Lzzy Hale nos acompaña junto a una guitarra acústica a lo largo de un precioso tema que culmina en un gran estribillo.

Parece que el disco coge un buen rumbo… pero llega «Painkiller». Con ese título, uno se espera algo completamente distinto, la verdad, pero una vez más, al igual que pasaba con «Skulls» y «Buzz», nos encontramos un tema soso, que no aporta prácticamente nada y que pese a que tiene buenas ideas, lo lastra un estribillo a medio tiempo con un ritmo pesado, al igual que en el 90% de temas del disco, solo que esta vez, sin demasiada inspiración.

Llegamos a la parte final del disco, y con «White Dress» tenemos una vez más, un tema con el mismo patrón repetitivo del disco. Quizás este tiene un poco más de chicha, pero tampoco es precisamente una maravilla. Mejora un poco la cosa con el tema título, «Vicious». Al menos el estribillo tiene un poco más de gracia.

Finalmente, el disco se cierra con otra balada, «The Silence», un poco más completa que «Heart Of Novocaine» y que al menos, sirve para que el último tema no te deje un mal sabor de boca. Como he dicho antes, estos temas acústicos son los que realmente brillan en Halestorm, y es que la voz de Lzzy Hale es una maravilla.

En definitiva, Vicious es un trabajo muy irregular, y que en general, no termina de despegar. En el disco hay buenas ideas, pero quizás no han sabido explotarlas de la mejor forma, utilizando el mismo esquema para casi todos los temas, lo cual da la sensación de estar escuchando la misma canción una y otra vez. Pese a ello, hay unos cuantos temas que se pueden salvar, y el grupo ha sabido verlo, ya que son los que están interpretando en directo. Esperemos que Halestorm recuperen pronto un rumbo que parecen haber perdido.

Tracklist de Vicious

1. Black Vultures
2. Skulls
3. Uncomfortable
4. Buzz
5. Do Not Disturb
6. Conflicted
7. Killing Ourselves To Live
8. Heart Of Novocaine
9. Painkiller
10. White Dress
11. Vicious
12. The Silence

Fechas de Halestorm en España 2018

Aprovechamos también para informar de que Halestorm visitarán nuestro país a finales de Octubre. Estas son las fechas definitivas para sus conciertos en España en 2018:

24 de Octubre Halestorm + Devilskin (Barcelona) · Salamandra
25 de Octubre Halestorm + Devilskin (Madrid) · Sala Black Box del Palacio de Vistalegre

Crítica de Prequelle

Comienza el disco con la introducción «Ashes», al más puro estilo película de miedo, con una melodía de teclado que recuerda a «Spöksonat», de su anterior disco, para inmediatamente conectar con «Rats», el primero de los singles de Prequelle. Tal y como afirmó el ahora Cardinal Copia en varias entrevistas, «Rats» es un tema hecho para comenzar los conciertos, directo a la cabeza. Tiene ese sello característico de Ghost, con un riff de guitarra potente, pero con ese toque pop que lo hace tan accesible, aunque el riff final podrían haberlo escrito los mismos Metallica.

«Faith» es el tema más heavy, por decirlo de alguna manera, del disco. De nuevo nos encontramos un riff potente, protagonismo de las guitarras, y un estribillo pegadizo. Algunos dicen que esta canción podría encajar perfectamente en Meliora, y lo cierto es que es la que más mantiene ese estilo, con cierto aire a «From The Pinnacle To The Pit». Pronto aparece uno de los elementos fundamentales en Prequelle, y es que el piano y los teclados tienen especial protagonismo en este trabajo. Primera muestra de ello: «See The Light», donde nos encontramos un Cardinal Copia que canta suavemente las estrofas, acompañado por un teclado, para desembocar en un estribillo potente y, de nuevo, muy pegadizo.

Prequelle cuenta con dos temas instrumentales, siendo el primero de ellos «Miasma». De nuevo mucho protagonismo para los teclados, que son los que llevan las melodías principales durante la primera parte de la canción, hasta que aparece una gran armonía de guitarra justo antes de los solos. El toque final: el solo de saxofón, interpretado en directo por Papa Nihil.

Llegamos a la cara B del disco para encontrarnos con el segundo single, «Dance Macabre». Este tema es un claro ejemplo de como mezclar un riff de guitarra simple, con melodías pop y un ritmo disco, con aire ochentero, todo ello con la guinda de un estribillo pegadizo. Es de esas canciones que te apetece volver a poner en cuanto se acaba.

Una introducción de teclados con aire eclesiástico, da paso a «Pro Memoria». De nuevo podemos ver esa tendencia que sigue todo el disco de dar protagonismo al piano y los teclados, ya que son los únicos instrumentos que acompañan al cardenal mientras nos deleita con unas líneas vocales marca de la casa. Una vez más, nos encontramos con un estribillo memorable, de los que se te meten en la cabeza y te encuentras cantando casi sin querer.

«Witch Image» devuelve algo de protagonismo a las guitarras, con un riff sencillo pero efectivo y unas grandes melodías en la sección central del tema. Para no perder la costumbre, nos encontramos con un estribillo pegadizo, muy en la onda de «Dance Macabre».

Llegamos al segundo tema instrumental del disco, «Helvetesfönster». En esta canción, el piano tiene mucho más protagonismo que en «Miasma», acompañado por varios interludios breves de guitarra acústica, y con teclado. Mucho más suave y delicada que la otra instrumental del álbum. Termina con el sonido de una campana, para enlazar con el último tema de Prequelle, «Life Eternal». Una vez más, nos encontramos al Cardinal Copia cantando acompañado únicamente por un piano y un teclado de fondo, con unas melodías espectaculares. El resto de instrumentos van entrando poco a poco hasta que al final, el tema desemboca, tras unas melodías de guitarra, en un gran estribillo que pone fin al disco. Y casi sin que te des cuenta, se han pasado los casi 42 minutos que dura.

Por cuarta vez ya, Ghost han vuelto a hacer un disco que, sin parecerse en nada a sus predecesores, conserva el estilo y la fórmula que les ha llevado a ser una de las bandas del momento. Personalmente, nunca se qué me voy a encontrar cuando escucho un nuevo disco de la banda, pero nunca me decepcionan. Prequelle es un gran trabajo, y aunque está por ver si con el paso del tiempo supera a Meliora, está claro que es un digno sucesor del que para mi es, por el momento, su mejor disco.

Portada de Prequelle

Tracklist:

1. Ashes
2. Rats
3. Faith
4. See The Light
5. Miasma
6. Dance Macabre
7. Pro Memoria
8. Witch Image
9. Helvetesfönster
10. Life Eternal

Review de Thunderbolt

Precisamente es el tema título, «Thunderbolt», el que abre el disco tras la introducción «Olympus Rising». Un tema 100% Saxon, con un potente estribillo que se queda rápidamente en la cabeza. Por algo fue la elegida para servir como adelanto del disco, videoclip incluido.

«The Secret Of Flight» sin embargo tiene otro estilo más pausado. Es otro de los tipos de canción que el grupo viene editando en sus últimos trabajos. De lo mejorcito del disco. Sin embargo, uno de los puntos álgidos del disco para mi es la gran «Nosferatu (The Vampire’s Waltz)», con ese riff pesado acompañado por una ligera orquestación.

Tributo a Motörhead

Muy destacable también, como no podía ser de otra manera, el tributo que el grupo rinde a Motörhead, con una espectacular «They Played Rock And Roll». De esta forma homenajean a la ya desaparecida formación original de Motörhead y a aquella gira en la que compartieron cartel a finales de los 70. Pelos de punta al escuchar a Lemmy diciendo la famosa frase «We are Motörhead… and we play rock and roll».

Otro de los temazos del disco es «Predator». En esta canción, Johan Hegg de Amon Amarth colabora con una fantástica línea vocal en gutural, acompañando al inconmensurable Byff Byford.

Sin embargo, a partir de aquí, parece que la segunda mitad del disco decae un poco. Es complicado mantener durante tantos años un nivel tan alto, y por primera vez en mucho tiempo, creo que hay algo de relleno en un disco de Saxon. Y eso que «Sons Of Odin» primero, y sobre todo «Sniper» (vaya riff de guitarra señores) son buenos temas, pero parece que les falta algo.

«A Wizard’s Tale» pasa más bien sin pena ni gloria y «Speed Merchants» tiene un estribillo resultón, aunque como decía, parecen más temas de relleno que otra cosa. No obstante, hay muchos detalles sobresalientes, y es que por mucho relleno que sean, Saxon derrochan calidad y experiencia, y eso se nota.

Cierra el disco una más que correcta «Roadie’s Song», después de poco más de 40 minutos.

A destacar, como viene siendo habitual, la gran producción del disco, con un sonido prácticamente inmejorable. Por otra parte, gran trabajo (de nuevo, como siempre) de Doug Scarrat y Paul Quinn a las guitarras. Hay algunos riffs y solos memorables a lo largo de todo el disco. Mención especial para Nigel Glockler, que ya quisieran muchos baterías estar en un estado de forma tan bueno pese a su edad (ejem, Lars Ulrich ejem ejem).

Thunderbolt no pasará a la historia como el mejor disco de Saxon, desde luego. Tiene momentazos, sobre todo en su primera mitad, aunque parece que al final va perdiendo algo de fuelle. Quizás es porque Battering Ram era un gran disco, pero esperaba un poco más. No quiero decir que me haya decepcionado, en absoluto, Thunderbolt es un disco muy disfrutable, y lo más importante, es una excusa para que el grupo vuelva a recorrerse el mundo haciendo lo que mejor saben, darlo todo sobre un escenario.

Tracklist de Thunderbolt

1. Olympus Rising
2. Thunderbolt
3. The Secret Of Flight
4. Nosferatu (The Vampire’s Waltz)
5. They Played Rock And Roll
6. Predator
7. Sons Of Odin
8. Sniper
9. A Wizard’s Tale
10. Speed Merchants
11. Roadie’s Song

¡Os dejo con su crítica!

The Rise Of Chaos

Es reconfortante que una banda clásica como Accept siga sacando DISCOS y no audio-merchandising con la excusa de una nueva gira que siempre puede ser la última. Cada lanzamiento es un nuevo tsunami en la escena autocomplaciente de un buen número de bandas veteranas a las que hemos acostumbrado a vivir de rentas.

Cuarto disco y cuarto clásico de la era Tornillo, con unos Accept que son indiscutiblemente la actual punta de lanza de Heavy Metal y todo ello, a pesar, de que buena parte de la crítica, tiene por norma minusvalorar cada lanzamiento de esta nueva etapa.

Cuando un disco abre con un tema como “Die By The Sword”, además de confirmar que los cuarenta años de Accept en la escena, son los nuevos veinte, sabes que acabarás yendo a la tienda a comprarlo. A estas alturas ya podemos asegurar que “If you live by the sword – you will die by the sword” va a ser el insuperable estribillo del año y un nuevo clásico de la banda.

Es un acierto que Andy Sneap produjese de nuevo el disco, a Accept el sonido cristalino le va como anillo al dedo, no es una banda que necesite aditivos, ni las sobreproducciones a las que nos tiene acostumbrados últimamente Nuclear Blast, la “Industrial Light & Magic” del Metal. Por cierto, después de todo ese trabajo, de todo ese mimo en la producción, a la crítica le dan el disco en cutre-streaming. ¿En que cabeza cabe dar a probar un producto defectuoso? Supongo que en la misma que eligió los singles… luego dicen que no venden. Hay películas que vas a ver al cine porque sabes que es un plus, y hay discos como este que para disfrutarlos en todo su esplendor necesitan de un equipo y soporte en condiciones. Alguien dirá que todos, no, no nos engañemos, algunos dan pena (este año llevo unos cuantos), mejor en mp3, que se nota menos la chapuza.

En lo musical tenemos un trabajo que continua en la línea de los anteriores, cosa que supongo que no habrá cogido a nadie por sorpresa, o alguien esperaba que “evolucionasen” y se pasasen al metalcore. Además, Wolf Hoffmann no ha dejado de repetir que a estas alturas no van a cambiar, y ni falta que les hace.

De todos modos, siempre hay matices y tenemos una primera parte del disco con temas directos y contundentes, y una segunda con unos Accept más melódicos, que sin perder esa energía, recuerdan por momentos a los de sus primeros discos. A la increíble “Die By The Sword”, no entiendo porque no ha sido el single, le sigue la potente “Hole In The Head” y a esta “The Rise Of Chaos” que sin duda cuenta con el riff mas pegadizo del trabajo. “Koolaid” el segundo single es quizás el tema que menos me gusta en lo musical, aunque la letra sobre el Templo del Pueblo y el “suicido colectivo”, transmita un mensaje impactante. “No regrets” es un tema muy contundente, de lo mejor del disco, por momentos recuerda a “Kings of metal”, con Christopher Williams genial en la batería, pero que sobre todo destaca por un gran trabajo en las guitarras, rematado por un fantástico solo. “Analog Man” es un tema que sorprende por lo vacilón y por ese sonido AC/DC, es como un paréntesis que da paso a lo que se puede considerar la segunda parte del disco.

Esta “segunda” parte del disco se abre con “What’s Done Is Done”, que contiene otro de los grandes estribillos del trabajo y es que “The Rise of Chaos” esta lleno de temas pegadizos que no dejas de tararear y que funcionaran y de que manera en directo. “Worlds Colliding” sigue la línea del anterior tema, con un estribillo y guitarras muy melódicas, prescindiendo de los coros mas enérgicos de los primeros temas. Continua el disco con “Carry The Weight”, más rápido pero en la onda de temas como “Dark Side Of My Heart” de su anterior trabajo. Y finalmente se cierra el disco a lo grande con “Race To Extinction”, un tema en el que encontraremos reminiscencias de los añorados Iron Maiden clásicos.

Cambios en la formación

Un punto que hay que comentar obligatoriamente, es el cambio en la formación, ya en el reciente disco en directo, vimos que la banda no se había resentido en absoluto y en estudio menos, personalmente creo que han salido ganando. No puedo dejar de destacar la frescura y mayor dinamismo que da con su batería a los temas Christopher Williams, todo un descubrimiento. En cuanto al dúo de guitarristas, que se puede decir de un disco en el que las guitarras son protagonistas destacadas, que si, que esta lleno de riffs, como tiene que ser, que tanto organillo a alguno parece que le tiene sorbido el cerebro. Creo que a estas alturas se ha dicho ya todo sobre Tornillo, otra vez de diez, en esta ocasión fuerza menos la voz, pero sin perder para nada su gancho.

El disco comienza con el tema que da nombre al disco,«Atroz», toda una declaración de intenciones por parte del grupo, con un riff potente. El estilo de Ultra Infierno se podría etiquetar como puro heavy metal. De hecho, el primer grupo que se me vino a la mente al escucharlo fueron Obús. Pasamos al segundo tema, «Las voces», cuyo estribillo se te queda rápidamente en la cabeza, y el solo de guitarra está realmente inspirado. En «Brasa», salen a relucir las influencias más heavys y rápidas de Ultra Infierno, ya que ellos mismos incluyen a grupos como Motörhead entre las mismas.

«Destruye» y «Muerte Natural» de nuevo muestran la vena más heavy del grupo. Particularmente me ha gustado esta última. Una de las cosas que más me ha llamado la atención del disco, es la facilidad con la que los temas se te quedan en la cabeza, con estribillos simples pero efectivos en la mayoría de los casos. «Jugando con cuchillos» es un claro ejemplo de esto.

«Holocausto» tiene una temática nuclear, de nuevo con un estribillo que tararearas muchas veces sin darte cuenta. «Espantoso accidente» comienza con una guitarra que me ha recordado un montón al «Rapid Fire» de los Judas Priest. Además, casualidad o no, en este tema el vocalista hace una demostración de agudos, al igual que en «Putrefacto», otro de los temas más heavys del disco.

Y llegamos al último tema del disco (¿ya? ¡se pasa muy rápido!) con «Tus muertos viven», de nuevo un tema directo y sin concesiones, que sirve para poner el punto final.

Si tuviera que definir este disco con dos palabras serían rápido y directo. Ultra Infierno no se andan con tonterías y van directo a la cabeza. Hay varias cosas que me han llamado la atención de este álbum, pero si tengo que destacar alguna, sería el sonido nítido y agresivo que el grupo ha conseguido plasmar en sus temas, lo cual no está para nada reñido con ese toque heavy ochentero de sus influencias.

Por otra parte, sí que debo comentar que algunas letras no me han terminado de convencer, siendo un poco exageradas en algunas ocasiones, y resultando graciosas en otras (no se si esta era la intención del grupo), aunque está claro que son un sello de identidad de la banda.

Si quieres conseguir Atroz, puedes hacerte con el a través del bandcamp de la banda, o contactando con ellos directamente.

«Endure And Survive» es el primer tema del disco y primer single del mismo. Aunque al principio no me convenció como canción para empezar, lo cierto es que al final creo que ha sido una decisión acertada. Termina y sin apenas tiempo para respirar, comienza «Escape Velocity» que va muy en la onda de «A Thousand Years» de su anterior trabajo.

«Blood» es otro temazo en el que además empiezan a aparecer las voces narrativas contando una parte de la historia. El estribillo es de esos que se te queda a la primera. Lo mismo pasa con «Eating Lies», que pese a ser un tema más lento, cuenta con una parte vocal muy trabajada por parte de Blaze.

«Destroyer» es un tema que para mi gusto, pasa un poco más desapercibido que las 4 primeras. Pese a ello, no deja de ser un buen tema. «Dawn Of The Dead Son», por otra parte, llama la atención con esos coros del principio y unas melodías muy acertadas a la guitarra por parte de Chris Appleton.

«Remember» es un tema acústico hecho más para que Blaze se luzca a las voces, con una melodía vocal muy llamativa y que se queda rápidamente en la cabeza. «Fight Back» sin embargo, nos devuelve a los temas más cañeros del disco, de nuevo con un estribillo muy pegadizo y unas grandes melodiás de guitarra.

«The World Is Turning The Wrong Way» es un medio tiempo con un riff potente, teclados y coros de fondo y una parte acústica en la parte central. Pero el tema que más me ha sorprendido y para bien, es el final, los 8 minutos de «Together We Can Move The Sun». Es un tema muy completo, con parte acústica, parte más rápida, un estribillo muy pegadizo y una gran parte instrumental.

En definitiva, «Endure And Survive» es un muy buen disco, que hila perfectamente con su predecesor, y que con toda seguridad, tendrá una continuación de gran nivel también. El bueno de Blaze y los chicos de Absolva son capaces de ello.

Recordamos también las fechas de Blaze Bayley en España y los detalles del concierto en Zaragoza.

Kreator siempre han sido uno de mis grupos thrash favoritos, y de hecho, «Enemy Of God» es uno de mis discos favoritos del género. La temática satánica de los videoclips me recordó a este disco, así que algo me decía que iba a ser un disco digno de escuchar.

«Gods Of Violence« comienza con una intro llamada «Apocalypticon», que me recuerda a la famosa introducción de su disco «Violent Revolution», va mucho en esa onda. El primer tema como tal es «World War Now», un tema que comienza como un cañonazo, con la rabia y agresividad típica del grupo, pero que desemboca en un estribillo y una parte central muy melódica, seña de identidad de los Kreator de «Violent Revolution» en adelante.

La siguiente es «Satan Is Real», que si no recuerdo mal, fue el primer tema que adelantaron. Se trata de una canción no tan agresiva como la primera, también muy en la onda «Violent Revolution» con un estribillo que rápidamente se queda en la cabeza. «Totalitarian Terror» es otro puñetazo a la cara, con un recién estrenado videoclip inspirado en los nazis y otras dictaduras del estilo.

El tema título, «Gods Of Violence» comienza con una guitarra acústica que deja paso a un gran estribillo plagado de melodía, muy del estilo de los últimos Kreator, y un gran riff de guitarra. Este fue el segundo adelanto del disco, por lo que tiene más estructura de single. Por otra parte «Army Of Storms» empieza con un riff muy heavy, que lleva a un estribillo no tan acertado como en otros temas, lo cual hace que esta canción pase un poco más desapercibida. «Hail To The Hordes» es otro de esos temas donde el grupo hace gala de su parte más melódica, esta vez con un estribillo más llamativo. En general es un tema muy completo.

De nuevo tenemos un comienzo acústico en «Lion With Eagle Wings» con la voz de Mille Petrozza distorsionada hasta que el tema, al igual que en «Gods Of Violence», comienza con un riff agresivo marca de la casa. Sin embargo, no es una canción que termine de destacar, excepto por su parte solista, que es fantástica.

«Fallen Brother» comienza con un riff que más que thrash, se adentra más en terrenos más heavys. El estribillo es muy pegadizo y en general, es una de las mejores canciones de la segunda mitad del disco. El videoclip, sirve como homenaje a las grandes estrellas del mundillo que ya no están con nosotros.

«Side By Side» es otro de esos temas que no terminan de enganchar y «Death Becomes My Light» pone el punto final al disco con una duración de nada menos que 7:26. Comienza con una parte en limpio y la voz de Mille para, como ya hemos visto anteriormente en otros temas, desembocar en un riff potente y un estribillo, una vez más también, cargado de melodía.

En general, tenemos un buen disco de Kreator, con una buena producción, unos buenos temas, pero que en mi opinión, no destaca especialmente en nada. He leído muchos comentarios sobre el álbum, que si el grupo está estancado, que si no aporta nada nuevo, etc. No puedo decir mucho sobre eso porque de sus predecesores no he escuchado apenas nada, pero sí que es verdad que parece que el grupo ha encontrado una fórmula en la que se sienten cómodos y la explotan una y otra vez. Habrá que ver si con el tiempo, este «Gods Of Violence» se convierte en un buen disco, o pasa más sin pena ni gloria.

Impasse nos trae «Misantropía», un EP de 4 canciones que es la primera piedra de un proyecto que ya lleva un tiempo funcionando.

El primer tema lleva el nombre del grupo, Impasse. Es un tema corto, de apenas 3 minutos, pero que marca el estilo que va a llevar el EP. Recuerdo que la primera vez que lo escuché, el principio me recordó a la mítica «People = Shit» de Slipknot, uno de los pocos grupos que me gusta que hacen un estilo mas próximo a Impasse.

Rápidamente nos metemos de lleno en «Gris», que es tema más largo y elaborado. Empieza con un riff potente que lleva a un puente más lento con una melodía de guitarra muy acertada. La canción tiene una parte central con una voz narrada y una guitarra en limpio que queda muy bien.

El tercer tema del EP es «Impotente». Si no me equivoco fue el primer tema que el grupo adelantó en su Facebook, y es de los más agresivos y cañeros del EP. De esta canción me ha llamado la atención la parte central, con los solos de guitarra, supongo que la cabra siempre tira al monte, como se suele decir. El estribillo me ha parecido de los más acertados también.

Finalmente, «La máscara» pone punto y final a «Misantropía». El principio me ha recordado mucho a los Slayer de «South Of Heaven», aunque la parte de la estrofa con las octavas de fondo me evoca más a Machine Head. Este tema es el más distinto del EP, tiene un estilo un tanto diferente a los demás. Incluye una parte lenta con un solo en limpio que me recuerda a la pequeña melodía acústica central del tema «Holy Wars… The Punishment Due» de Megadeth. Probablemente sirviera como inspiración al grupo a la hora de componerlo.

En definitiva, he de decir que este trabajo me ha sorprendido para bien, ya que como he comentado al principio de esta review, no soy nada fan de los estilos más «extremos». En este caso, puedo decir que he disfrutado de las 4 canciones del EP, y que cuando el grupo se decida a lanzar un LP al completo, no dudaré en darle una escucha.