Como decía, nos remontamos al 21 de agosto de 2015, cuando Ghost lanzaron su tercer trabajo de estudio, ‘Meliora’. En ese momento, la banda había terminado de hacerse conocida frente a grandes audiencias, gracias al extenso tour de ‘Infestissumam‘, que les llevó a tocar en lugares como Rock In Rio, y a su participación como teloneros en las fechas estadounidenses de Iron Maiden durante su gira ‘Maiden England‘ de 2013.

Papa Emeritus II y sus Nameless Ghouls ganaron relevancia y fans, manteniendo el impulso que llevaban desde el lanzamiento de ‘Opus Eponymous’, y era el momento clave en la carrera de la banda. El tercer disco debía servir para afianzar todo aquello y llevar a la banda a un nuevo nivel. Era todo o nada. Y fue todo.

El 31 de mayo de 2015, el primer single, «Cirice» veía la luz, y 3 días después, Ghost se presentaban en el club Doom de su ciudad natal, Linköping, para presentar la nueva era de la banda. Como no podía ser de otra manera, esta nueva era comenzó con un cambio, y es que Papa Emeritus III pasó a ser el líder del clero. Esa noche, además de «Cirice«, la banda presentó 3 temas nuevos más, que fueron «From The Pinnacle To The Pit«, «Majesty» y «Absolution«. Los adelantos ya dejaban entrever que se venía algo grande… y llegó.

Crítica de Meliora de Ghost

Con una portada imponente, una producción excelente a cargo de Klas Åhlund, varios adelantos que prometían y todo de cara para triunfar, el 21 de agosto por fin se lanzaba ‘Meliora‘. «Spirit» es la encargada de dar el pistoletazo de salida. Con su teclado de película de terror, un riff en 3/4 y un estribillo fácilmente entonable, el tema conserva los elementos propios de Ghost hasta la fecha, añadiendo esa capa de melodía y complejidad que se comenzó a explorar con ‘Infestissumam‘, y que en ‘Meliora‘ termina de hacerse protagonista.

«From The Pinnacle To The Pit» es un éxito instantáneo. Abre con un potente riff de bajo al que se le une una malvada melodía de guitarra. El riff principal es pesado, pero como siempre, la melodía de la voz y sus capas consiguen aportar el contraste tan característico en la banda. Es un tema hecho para el directo, con un estribillo pensado para que el público se deje la voz. A destacar el enorme trabajo a las guitarras en este tema, algo que será recurrente a lo largo de todo el trabajo.

Llega «Cirice«, el primer single. En su momento, me pareció curiosa la elección del single, ya que «Cirice» no me terminaba de encajar en esa categoría, especialmente después de haber escuchado temas como «From The Pinnacle To The Pit«, que quizás encajaban más como primer adelanto. No obstante, el tiempo se encargó de explicar por si solo esta elección, ya que el tema terminó ganando un Grammy. De nuevo, se juntan varios elementos característicos en Ghost, con un principio muy al estilo Black Sabbath o Metallica, un riff potente, y un estribillo cargado de melodía y fácil de recordar, de los que te hacen querer repetir la canción una y otra vez, en un medio tiempo cargado de arreglos y pequeños detalles y destellos que te hacen darte cuenta de la inmensa calidad de Tobias Forge como compositor.

El pequeño interludio acústico «Spöksonat» da paso a «He Is«, la primera canción que editó la banda que podríamos considerar una power-ballad. Si «Cirice» estaba llena de detalles, «He Is» es otro ejemplo más de esto. La simplicidad de este tema contrasta directamente con la complejidad para encajar todos los pequeños detalles y arreglos en su sitio, sin sobrecargar, sabiendo encontrar el punto justo. Todo funciona en este tema, desde las partes acústicas, las armonías de guitarra, las voces… todo.

Y si «He Is» suponía la tranquilidad, «Mummy Dust» es el tema más visceral del disco, con uno de los riffs más potentes del trabajo. Por primera vez, escuchamos en Ghost una voz distinta en Tobias Forge, dejando a un lado la melodía, y utilizando un recurso que está entre el susurro y el gutural, algo mucho más notable en directo. El tema también incluye un solo de keytar.

«Majesty» por su parte, vuelve a la melodía con un toque más hardrockero, con un órgano Hammond que recuerda mucho a Deep Purple, mezclado con el típico teclado con sonido eclesiástico. A pesar de su estribillo extremadamente pegadizo, su complejidad musical parece haber lastrado a este tema en cuanto a popularidad se refiere, ya que apenas ha sido recuperado para sus directos. No obstante, el puente y la parte de los solos, son uno de los mejores trabajos instrumentales que ha hecho la banda.

«Devil Church» es otro interludio instrumental, que en principio, formaba parte de «Cirice«. De hecho, es común verles interpretarlas seguidas en directo. No obstante, en el disco, da paso a «Absolution«, uno de mis temas favoritos de Ghost. «Absolution» refleja la esencia de Ghost en ese momento. Es la perfecta combinación de los riffs más pesados del primer disco, con la melodía y los estribillos pegadizos del segundo, añadiendo ese plus, ese «IT-factor» que tienen todos los temas de ‘Meliora‘. Un tema perfecto también para el directo.

Para terminar, «Deus In Absentia» pone el punto final de una manera similar a como lo hacía «Monstrance Clock» en ‘Infestissumam‘. La fórmula es parecida, aunque para mi, «Deus In Absentia» no es tan buen tema como «Monstrance Clock«. A pesar de ello, tiene un estribillo y una parte central de melodías tanto vocales como instrumentales que merecen mucho la pena, para terminar, finalmente, con un coro siniestro.

Se suele decir que el 3er disco de una banda suele ser el que determina su éxito futuro, y ‘Meliora‘ fue ese punto de inflexión que Ghost necesitaban para seguir creciendo. Muchos fans siguen considerándolo como el mejor trabajo de su carrera, y la banda todavía interpreta una buena cantidad de temas de este disco en sus conciertos, concediéndole la importancia que merece. De obligada escucha para cualquiera que quiera iniciarse con los suecos.

Tracklist de Meliora

1. Spirit
2. From The Pinnacle To The Pit
3. Cirice
4. Spöksonat
5. He Is
6. Mummy Dust
7. Majesty
8. Devil Church
9. Absolution
10. Deus In Absentia

Si con Ram It Dawn el grupo había vuelto a sonidos más heavys que en el experimental Turbo, en Painkiller fueron más allá, tanto en velocidad como en agresividad. Gran parte de este cambio se debió, sin duda alguna, a la entrada de Scott Travis como nuevo batería del grupo, reemplazando así a Dave Holland. En numerosas ocasiones durante la gira promocional del álbum, Rob Halford enfatizó precisamente esto hablando de Travis (the man responsible for putting the «pain» in Painkiller).

Review de Painkiller de Judas Priest

Painkiller comienza con el tema título del disco. Un solo de batería sin concesiones, riffs de guitarra y la aguda voz de Halford, dejan muy claras desde el principio las intenciones de este álbum. El tema es ya todo un clásico en la discografía de Priest, y el solo de guitarra de Glenn Tipton, una de esas obras maestras con las que de vez en cuando nos regala este maestro de las 6 cuerdas.

«Hell Patrol» relaja un poco el ritmo frenético del primer tema, con un gran estribillo y una sección con las dos guitarras en armonía que es una delicia.

Una exhibición de agudos de Halford da comienzo a «All Guns Blazing», con un riff potente y uno de esos estribillos que se te quedan rápido en la cabeza. En el siguiente tema, «Leather Rebel» encontramos de nuevo un ritmo rapidísimo de batería a cargo de Scott Travis. Parece que este disco fuese hecho para que todos los miembros del grupo pudieran lucirse. Esta sensación se repite en el comienzo de «Metal Meltdown», esta vez con las guitarras. De nuevo un tema rápido, plagado de agudos del Metal God, con un gran estribillo y unos espectaculares solos de guitarra.

Sin embargo, una de mis debilidades de este disco es «Night Crawler», un tema oscuro, con muchos detalles en la guitarra, un gran estribillo, una parte central con un interludio maravilloso… en definitiva, de las mejores canciones del disco.

«Between The Hammer & The Anvil» empieza con una progresión de acordes que da paso a un gran riff y de nuevo nos deja otro temazo, que enlaza con otra de las mejores canciones del álbum. «A Touch Of Evil» es otro de los clásicos que nos ha dejado este Painkiller. Esta semi-balada tiene uno de los mejores solos que he escuchado hacer a Glenn Tipton. En la línea de otros temas del estilo como «Beyond The Realms Of Death».

Finaliza el disco con la introducción «Battle Hymn», utilizada por la banda en la actualidad para sus conciertos, y otro tema épico, «One Shot At Glory».

Painkiller es sin duda alguna uno de los mejores discos de Judas Priest, y sigue siéndolo 27 años después de su edición. Mención especial para la producción del álbum (sonido de 10) y para la gran portada que lo ilustra, a la altura del contenido del disco.

Tracklist

1. Painkiller
2. Hell Patrol
3. All Guns Blazing
4. Leather Rebel
5. Metal Meltdown
6. Night Crawler
7. Between The Hammer & The Anvil
8. A Touch Of Evil
9. Battle Hymn
10. One Shot At Glory

La historia de The Crimson Idol

The Crimson Idol narra la historia de Jonathan Aaron Steel, un joven adolescente al que sus padres repudian y que, tras la muerte de su hermano Michael, decide huir de casa. «The Titanic Overture» es una introducción instrumental, que termina con unos versos que nos ponen en situación y dan paso a «The Invisible Boy». A lo largo del tema se desarrolla cómo es la relación del protagonista con sus padres, además de un diálogo con el espejo, que es uno de los elementos más destacados del álbum.

«Arena Of Pleasure» comienza con el protagonista huyendo de su hogar (I ran away from home last night, gone forever, I was running for my life) y empezando su nueva vida en la calle, marcada por el alcohol y las drogas, hasta que al pasar por una tienda de música, se fija en una guitarra que termina robando. Poco a poco va consiguiendo éxito y llegamos al siguiente tema, uno de los mejores del disco sin duda alguna, «Chainsaw Charlie (Murders In The New Morgue)». El personaje de Chainsaw Charlie es el presidente de una gran discográfica, quien le promete convertirle en una estrella del rock, y le presenta a su nuevo manager, Alex Rodman.

La historia avanza unos meses en el tiempo, y Jonathan está a punto de lanzar su primer disco. «The Gypsy Meets The Boy» es un tema acústico en el que se narra como el protagonista se encuentra con una gitana que le echa las cartas. Estas le muestran el Crimson Idol, señal de que su fama iba a ser efímera (Then the illusion was real, a crimson idol I saw, but the higher he’d fly, then the further he’d fall), y la gitana le dice una de las frases más simbólicas del disco: Be careful what you wish for, it may come true (cuidado con lo que deseas, se puede hacer realidad).

De nuevo avanzamos y Jonathan es ya una estrella con gran éxito, lo que le proporciona todo tipo de lujos y excesos. «Doctor Rockter» cuenta como el personaje del mismo nombre aparece en una fiesta y se convierte en el camello de Jonathan. En «I Am One» se narra como la fama del grupo de Jonathan le lleva a recorrer el mundo. En este punto, el protagonista se encuentra en el pico de su trayectoria, y parece que lo tiene todo pero avanzamos a otro de los temas imprescindibles del disco, «The Idol».

«The Idol» es una de las baladas por excelencia del grupo, y comienza con una breve introducción donde se escucha al manager Alex Rodman echando la bronca a Jonathan por una de sus fiestas. Poco después se escucha el sonido de un teléfono y la voz de una mujer contestando, lo que da paso a más de 6 minutos de temazo, finiquitados por un solo espectacular. Según cuenta la historia que fue editada como bonus track posteriormente, Jonathan tenía todo, excepto lo que el más quería: la aprobación de sus padres. Es por esto, que tras conseguir el éxito, llama a su casa para tratar de hablar con sus padres. La historia dice que la conversación del protagonista con su madre fue corta, menos de 50 palabras, siendo las 4 últimas «we have no son» (no tenemos ningún hijo).

Tras esto, una nueva balada, «Hold On To My Heart» desemboca en el desenlace de la historia. «The Great Misconceptions Of Me» pone el broche final a The Crimson Idol de forma épica. A lo largo de 10 inmejorables minutos, la historia llega a su fin de forma trágica. Ante el rechazo de sus padres, Jonathan decide poner fin a su vida, arrancando las cuerdas de su guitarra y ahogándose con ellas. Si hay algo que la hace más épica todavía, es saber que Blackie Lawless grabó las voces de la introducción en una sola toma, con todo el estudio a oscuras. No es de extrañar que todos se quedaran con los pelos de punta cuando terminó.

El fin de Jonathan Steel

No hay duda de por qué The Crimson Idol está considerado, por muchos fans, como el mejor disco de la banda. La historia de Jonathan Steel, contada a lo largo de 10 canciones realmente inspiradas se gana a pulso estos honores. 25 años después, W.A.S.P. van a regrabar y reeditar el disco, acompañado por la película que se grabó expresamente para acompañarlo. Además, como ya informamos, van a embarcarse en una gira donde interpretarán el álbum íntegramente, bajo el nombre de Re-Idolized, que además tendrá varias fechas en España.

Jonathan Steel sigue más vivo que nunca.

«Brave New World» es además uno de los discos más importantes de la banda, ya que después de un periodo de baja popularidad, la nueva formación debía demostrar que volvía con más fuerza que nunca. Y vaya si lo hicieron.

Brave New World review

«The Wicker Man» es el tema elegido para comenzar el álbum, con un riff en el que rápidamente reconocemos la guitarra de Adrian Smith. Iron Maiden van a lo seguro con este tema, en un estribillo hecho para ser coreado en directo. En el solo, de nuevo, toma protagonismo Adrian Smith.

Tras este gran comienzo, el disco continúa con «Ghost Of The Navigator», uno de mis temas favoritos de la banda sin duda alguna, y que tiene algunos de esos toques característicos de las composiciones de Janick Gers. Precisamente es él quien lleva el peso de las melodías en este tema, firmando también un excelente solo en la parte central del tema.

El tema título del disco, «Brave New World», es el tercer corte del mismo. De nuevo nos encontramos con un estribillo hecho cláramente para brillar en directo, uno de esos solos inspirados de Janick Gers que da paso a Dave Murray (ya tardaba en aparecer), y una parte central con una armonía a tres guitarras que demostró por primera vez lo que daba de sí la nueva formación.

Blood Brothers, un clásico del siglo XXI

Después de estos 3 temas, que también fueron los 3 primeros en los repertorios de la gira del disco, llega otro de esos temas que se ha convertido ya en un clásico más de la banda, «Blood Brothers». Poco se puede decir de este tema que no se haya dicho ya. Unas melodías brillantes y una letra que se ha convertido en todo un estandarte del grupo y sus fans

«The Mercenary» nos devuelve al lado más heavy del disco, mientras que la extensa «Dream Of Mirrors» nos trae de nuevo el toque Gers, con sus guitarras acústicas y sus características melodías.

Las grandes olvidadas

A partir de aquí, nos encontramos con una serie de temas que o bien fueron interpretados unas pocas veces en directo, o bien cayeron directamente en el olvido. «The Fallen Angel» es el primero de estos temas. Llegó a sustituir en algún concierto a «The Mercenary», y lo cierto es que es una canción perfectamente válida para interpretar en directo.

Lo mismo pasa con «The Nomad», un tema extenso, que nunca ha llegado a ser tocado en los conciertos del grupo, y que recientemente parece que está dando algunos problemas legales a Iron Maiden.

«Out Of The Silent Planet» también llegó a ser incluida en un par de repertorios, y hasta tuvo su propio videoclip, siendo editada como single, pero no llegó a cuajar. Y es una pena, porque de nuevo nos encontramos con una gran canción.

Cierra el disco «The Thin Line Between Love & Hate», que a mi gusto es el tema más flojo de este, aunque sigue estando a un gran nivel. Como dato curioso, al final de la canción se escucha a Nicko McBrain diciendo «I fucking missed it!».

El mejor disco de Iron Maiden

Han pasado 17 años desde que «Brave New World» fuera publicado un 29 de mayo del año 2000, pero para mí, este sigue siendo el mejor disco que Iron Maiden han publicado hasta la fecha, como ya comenté en este post.

Si todavía no tienes el disco, puedes hacerte con él aquí.

¡Feliz cumpleaños Brave New World!

The Number Of The Beast review

Antes de hablar del disco en sí, creo que la portada merece una mención especial. Sin duda alguna, el trabajo de Derek Riggs para este álbum fue impresionante, y eso que la versión de 1982 tiene un tono más azulado respecto a la ilustración original. Este detalle se corrigió posteriormente en la reedición de 1998. Pese a todo, el dibujo te atrapa, te invita a escuchar el disco, y si lo haces… estás perdido.

Entrando ya en las canciones, «The Number Of The Beast» comienza con «Invaders». Creo que Steve Harris ha comentado en alguna ocasión que este tema no le termina de convencer, sin embargo yo creo que funciona muy bien para empezar. Un tema rápido, directo, aunque puede que el estribillo sí que sea un poco flojo.

Una guitarra acústica nos lleva a «Children Of The Damned», un temazo, con todas las letras. Pese a que nunca ha sido tratado como uno de los temas esenciales del grupo, pienso que es uno de los grandes temas de la carrera de Iron Maiden, más después de haberlo visto en directo en la última gira de la banda.

«The Prisoner» comienza con la introducción del primer capítulo de la serie que lleva el mismo nombre. Otro de esos grandes temas del disco, que quizás a lo largo del tiempo ha pasado más desapercibido. Recientemente la recuperaron para la gira «Maiden England».

Continúan los temazos, y «22 Acacia Avenue» nos transporta al East End londinense, para contarnos la segunda parte de la historia de Charlotte. De esta canción me gustaría destacar la parte de los solos, excelente trabajo de Dave Murray y Adrian Smith.

Clásicos históricos

Si hasta ahora eran todo temazos, a partir de aquí empiezan los clásicos de verdad. Y es que «The Number Of The Beast» es una de las canciones por excelencia de la doncella, un imprescindible en los conciertos de los británicos. Uno de los estribillos más famosos del mundo del heavy, unos solos de guitarra espectaculares y en definitiva, una de esas canciones para la historia.

Si «The Number Of The Beast» es un imprescindible, «Run To The Hills» es otro de los temas más famosos de Iron Maiden. Bruce Dickinson haciendo gala de tonos altos y un estribillo archiconocido. Sin duda uno de los mejores singles de la banda.

Sin embargo, el siguiente tema es el que más polémica suscita dentro de los fans más acérrimos. «Gangland» es para muchos el peor tema del disco. Quizás esto no sería algo tan grave, si no fuera porque en la edición original de 1982, esta canción fue incluida en lugar de «Total Eclipse». En muchas entrevistas, el grupo ha reconocido que se equivocaron con la elección. Sin embargo, pienso que aunque «Total Eclipse» es mejor que «Gangland», tampoco es un tema que baje tanto el nivel.

Llegamos al final del disco y nos encontramos con el que para muchos, es el mejor tema de Iron Maiden. Los más de 7 minutos de «Hallowed Be Thy Name» son pura épica. Desde el principio hasta el final, la canción que relata los últimos minutos de un condenado a la horca, te atrapa, te pone los pelos de punta, y demuestra por qué Iron Maiden están donde están. Toda la esencia del grupo se concentra en este tema que pone el punto y final al álbum.

35 años de un clásico

Hace 35 años que se publicó, y desde entonces, «The Number Of The Beast» se ha convertido en un disco imprescindible para cualquier fan del heavy metal que se precie. Feliz cumpleaños a uno de los grandes referentes del género!!!

Tracklist

1. Invaders
2. Children Of The Damned
3. The Prisoner
4. 22 Acacia Avenue
5. The Number Of The Beast
6. Run To The Hills
7. Gangland
8. Total Eclipse (Incluída en la reedición de 1998)
9. Hallowed Be Thy Name

No te pierdas las fechas de Iron Maiden en Norteamérica este verano con Ghost!!!

«Jugulator» se editó en 1997 y fue el primer disco de Judas Priest sin su cantante de toda la vida: Rob Halford. La difícil tarea de sustituirle la llevó a cabo Tim «Ripper» Owens, haciendo una labor que estuvo muy a la altura de su predecesor.

La decisión de Halford de dejar la banda en 1992 seguramente influyó a la hora de elaborar este álbum, ya que desde «Painkiller» en 1990, pasaron 7 años hasta que un nuevo disco de Judas Priest vio la luz. Con este «Jugulator», la banda quiso dar un cambio significativo a su estilo. El sonido del grupo se volvió más duro, con una distorsión en las guitarras más potente, además de bajar la afinación un tono. Esto no solo se trasladó al nuevo disco, también a las presentaciones en directo de la banda.

Bajo este contexto, «Jugulator» comienza con la canción que da nombre al disco. La introducción rápidamente deja claro que no estamos ante un disco convencional de Judas Priest. Sin embargo, Ripper Owens enseguida hace olvidar la marcha de Rob Halford con unos grandes agudos.

«Blood Stained» y «Dead Meat» continúan con esta nueva dirección tomada por el grupo, con riffs potentes y cargados de distorsión, que en muchas ocasiones recuerdan a grupos como Pantera. Recordemos que en aquella época, era un estilo que tenía mucho éxito.

«Death Row» tiene uno de los estribillos más «amigables» del disco, mientras que «Decapitate» es un tema más denso. Sin embargo, una de las canciones que más destaca en el disco, y que seguramente es el emblema de la época del grupo con Ripper al frente, es «Burn In Hell». Comienza con una guitarra en limpio y desemboca en un tema potente con un gran estribillo.

«Brain Dead» y «Abductors» quizás son los temas más flojos del disco, pero esto se soluciona rápidamente con «Bullet Train», otro de los cañonazos del disco, y que el grupo no dudó en incluirlo en sus repertorios.

Finalmente, «Jugulator» se cierra con «Cathedral Spires», un tema de casi 10 minutos de duración que pone un gran punto y final al disco.

Portada

Para mí, una de las curiosidades de este álbum es la portada. El dibujo que aparece en la portada frontal, aparece pixelado y parece de baja calidad, como se puede apreciar en esta imagen:

Sin embargo, si echamos un vistazo al libreto interior, en él aparece el dibujo completo con mejor calidad.

No entiendo qué les llevó a elegir la versión pixelada, que parece un recorte del dibujo original pero con mucho zoom, como portada.

Recepción

Como era de esperar, «Jugulator» recibió críticas muy dispares. Por un lado, hubo críticas positivas con el nuevo rumbo de la banda, que opinaban que «Jugulator» fue un gran disco. Por otra parte, mucha gente echaba de menos a Rob Halford y el estilo anterior, más ochentero del grupo.

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